Vom ersten Foto der Ausstellung, dem eines lügenden Mädchens mit nur dem Kopf und einem Blutfaden, der von der Nase ausgeht, bis hin zu den abschließenden Porträts fast identisch gekleideter junger Frauen, die durch die Stadtlandschaften Berlins ziehen, sind die retrospektiven Bilder dass die Reina Sofía Museum gewidmet dem Deutschen Michael Schmidt (1945-2014) vermitteln ein Anliegen, ein Mysterium, eine Einladung, zu fragen, was jenseits dessen liegt, was wir sehen. Autodidaktischer Fotograf, „in Spanien nicht sehr bekannt“, wie der Direktor der Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, in der Präsentation an diesem Dienstag sagte, diese Ausstellung mit 340 Bildern, fast ausschließlich in Schwarzweiß, lässt uns wissen der Weg von fast einem halben Jahrhundert, die darum kämpften, Berliner Ecken menschenleer zu finden und gleichzeitig diejenigen, die die Stadt bewohnten, um ein Fresko abseits der Vision von Deutschland als euphorischem Motor Europas zu schaffen.

Michael Schmidt. Fotografien 1965-2014, die erste Retrospektive seit dem Tod des Schöpfers, läuft bis zum 28. Februar 2022 und wird von jemandem kuratiert, der Schmidt kannte und mit ihm zusammenarbeitete, Fotografenkollege Thomas Weski. „Er hat an einem Stil gearbeitet, bis er ihn beherrschte, dann beschloss er, ihn aufzugeben“, sagte er. So sprang er vom Fotojournalismus zur Abstraktion, von kontrastreichen Bildern zu solchen, die eine ganze Reihe von Grautönen zeigen. Schmidt wurde im Oktober 1945 in den Trümmern der Bomben des Zweiten Weltkriegs geboren und erlebte die Teilung seiner Stadt und den Bau der kommunistischen Mauer. „Seine Familie lebte im westlichen Teil, aber er hatte sein Geschäft im östlichen Teil. Mit der Mauer konnten sie nicht auf die andere Seite gelangen, also verloren sie sie und gerieten in eine Situation der Armut. Deshalb hat Michael eine sehr grundlegende Ausbildung erhalten“, fügte Weski hinzu. Obwohl er eine Ausbildung zum Maler begann, bewog ihn sein Interesse an der Fotografie, seine Dienste den Behörden der verschiedenen Bezirke anzubieten, um urbane und gesellschaftliche Veränderungen zu dokumentieren.

Die erste Kommission war in seinem Wohnviertel Kreuzberg, wo wegen des Mangels an deutschen Arbeitskräften wegen der Teilung der Hauptstadt Einwanderer aus Südeuropa ankamen. Er hat es mit einem nüchternen Stil eingefangen, der sich auf Meister der amerikanischen Dokumentarfilmtradition wie Walker Evans bezieht. Unter diesen Bildern, die zwischen 1969 und 1973 aufgenommen wurden, sticht das lächelnde Kinder hervor, die barfuß in einer großen Pfütze auf dem Bordstein einer Straße sitzen. Schmidt veröffentlichte diese Arbeit in einem von ihm selbst gestalteten erfolgreichen Buch, der Keimzelle einer Konstante in seiner Karriere: Überlegen, wie seine Arbeiten präsentiert werden sollen, ob auf Papier oder an Museumswänden. Die Modelle, Bücher und Kontakte in den Vitrinen der Räume helfen, diesen Prozess zu verstehen. Die Reina Sofía hat die Kriterien des Künstlers respektiert, deshalb ändert sich die Montage je nach Projekt, das sie durchführt: Die Bilder haben unterschiedliche Formate, unterschiedliche Rahmen oder manchmal fehlen sie; sie werden in Serien gezeigt … Die Ausstellung war in Berlin und Paris zu sehen und wandert nach Madrid in die Albertina in Wien.

Die erste Wendung seiner Reise machte Schmidt mit der folgenden Arbeit, einer weiteren Auftragsarbeit zwischen 1976 und 1978 aus dem Kreis Wedding. Darin entschied er sich für eine eher dokumentarische Fotografie, um mit abgestumpften Gesten Menschen in ihren Häusern zu zeigen, graue Leben in Grautönen. „Michael sagte, das Leben ist keine Party, er wollte die Normalität widerspiegeln, deshalb dominiert in diesen Porträts die Ernsthaftigkeit“, sagte die Kuratorin. Der Autor theoretisierte dann über die Gründe für diese Wette: „Grau ist eine Farbe der Unterscheidung, egal wie seltsam es klingt, und Weiß und Schwarz sind zwei feste Zustände. Ich dachte, dass die Welt nicht klar definiert ist, sondern in mehreren Nuancen präsentiert wird. Das ist es, was ich versucht habe, Schwarz und Weiß zu eliminieren. „Mit dieser Idee fotografiert er Ecken einer Stadt mit bedecktem Himmel und einem seelenlosen Aspekt und geht in seinem Projekt darauf ein Berlin nach 45, von 1980, eine Abfolge von Ödland, Gebäude mit abblätternden Mauern, fast eine Geisterstadt, eine abstrakte Vision mit einer Großformatkamera.

Schmidt, für den jedes Bild „einen Schock in sich tragen“ musste, trägt sein Engagement für die Fotografie in den Bereich der Bildung. „Er war manchmal schroff, feindselig wegen seiner unverblümten Rede über Fotografie, aber er konnte auch charmant und überzeugend sein“, bemerkte Weski. 1976 war er Mitbegründer eines Erwachsenenfotografie-Workshops in einem Kreuzberger Nachbarschaftszentrum, das zu einem Forum für den Austausch und Ausstellungen europäischer Fotografen wurde.

Bezeichnend ist, dass Schmidt mit der deutschen Wiedervereinigung im November 1989 beschloss, sich außerhalb Berlins zu konzentrieren, auch weil er ein Haus auf dem Land kaufte. Dann schuf er, was laut dem Kommissar einer seiner großen Beiträge ist, U-ni-Papa, das im MoMA ausgestellt war, in dem er Fotografien machte und mit seinen bisherigen Motiven, Porträts und der Stadt, die deutschen politischen Systeme des 20. Jahrhunderts mit zahlreichen Hinweisen auf die Mauer fortsetzte. Es ist ein dichtes Projekt, das für den Betrachter schwerer zu verdauen ist.

Um die Jahrhundertwende konzentrierte er sich auf die deutsche Jugend, vor allem auf sie, „weil er glaubt, dass sie stärker gesellschaftlichen Zwängen ausgesetzt ist“, so Weski. Immer auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen, trotz des Risikos des Scheiterns, definiert er sich als Fotograf „der Sackgassen“. Sein letztes großes Werk ist Essen, ab 2008, mit dem er mehrere europäische Länder bereiste, um die Lebensmittelindustrie zu dokumentieren. Schmidt verwendete zuerst Farbe, eine Metapher für die Verwendung von Farbstoffen in Lebensmitteln. Im Fall Spaniens, Gewächshäuser, Olivenhaine … an anderen Orten reproduzierte es Pasta, Obst, Schlachthöfe, Gewächshäuser … um „die Standardisierung dessen, was wir essen“ zu zeigen. Bis zuletzt erfüllte er sein Bedürfnis, „einen Prozess der ständigen Wandlung zu leben“, wie er selbst sagte: „Es ist ein lebenswichtiges Prinzip, das zugleich ein künstlerisches Prinzip ausmacht“.